작품과 관객이 서로가 서로를 재료로 사용하다

공감을 통해 집단은 안정되어 빠르게 평상시 활동이 회복된다. 동물행동학자인 프란스 드 발은 『공감의 시대』에서 공동체의 생존에 필수적인 모든 사회적 가치는 공감본능에서 비롯되었다고 말한다. 코로나 19로 변화된 사회에서 이 전시는 미술관 관객의 생물학적 본성에 주목하며 인간의 공감본능이 작동하는 지점으로써 ‘재료’에 주목한다. 관객을 구성하는 재료와 작가의 재료가 어떻게 서로 반응하는가 그 작동원리와 양상을 살펴보며 미술관에 존재하는 유무형의 재료들이 서로가 서로를 사용하며 만들어내는 생명현상으로서의 예술경험을 조명해보고자 한다. 관객의 재료를 많이 움직이는 작품이란 무엇인가라는 질문을 바탕으로 개인의 다양한 내적재료에 주목해온 상담전문기관 그로잉맘과 협업하여 이 전시는 8명 현대미술작가들의 작품을 바라보는 새로운 관점을 제시하고자 한다.

재료는 사실 무한하다. 작가가 작품으로 들여와 사용하는 것은 거의 모든 것이다. 물리적, 물질적, 언어적인 것, 순간적인 것에서 항구적인 것에 이르기까지 작품의 재료는 분류가 가능하다. 골라 선택할 수 있고 담고자 하는 이야기와의 짜임도 가능하다. 때로 물적기반을 지닌 재료에 이끌리어 작품이 시작되기도 하고 재료의 몸을 감춘 채 추상적인 구조의 사고체계가 작품의 전면을 이루기도 한다. 재료는 작품의 문을 열기도 하고 닫기도 한다.

그런데 또 하나의 재료가 있다. 소통을 전제로 나아오는 작품에서 작가는 사실상 다른 재료도 쓰고 있다. 그것은 부피도 형태도 없고 측정가능한 범주도 없다. 어떻게 고정할 수 있는지, 얼만큼 소진되는지, 발현되는지 예측할 수 없다. 바로 관객이 들여오는 재료이다.

작품은 관객이, 정확히는 어떤 관객이 자신을 바라보고 있다고, 자신에게 다가오고 있다고 느끼는가. 근대 응시의 주체에서 몸을 들고 나아오는 신체적 주체에 이르기까지 작가는 관객의 존재를 제로로 두기도 하고 청자에서 화자의 위치까지 올려놓기도 하였다. 그러나 단순히 관찰가능한 관객반응의 현상 이상으로 작품은 관객의 재료를 사용하고 있다.

작가의 내적동기가 일으켜 세운 작품은 이를 찾아온 관객의 내적자원을 당겨온다. 인간 개인의 내면에서 일어나는 일의 전제를 그가 가진 '재료'의 차이라 설명하는 상담전문기관 그로잉맘의 말에서 시작된 이 전시는 세상의 모든 재료를 사용하는 작품이 그보다 더 무한히 다양한 관객의 내적재료와 만나는 모습에 주목하고자 한다.

포장비닐과 구슬줄, LED, 모터의 움직임과 소리. 이병찬은 가능한 많은 물질재료를 사용하고 있는 듯하다. 이 모든 감각 요소를 끌어온 그의 내적 동기는 분출형의 발언과 같다. 자본주의 소비사회의 실체를 거르고 순화하기 보다 날 것 그대로 들이고 이를 넘쳐 흐르듯 드러낸다. 그가 재현하는 또는 넘치듯 표현하는 이 자극에 어떤 이는 적극적인 탐색의 반응으로 또 어떤 이는 거리를 두고 내적으로 조망하는 태도를 취한다.

포장재라는 같은 산업재료를 사용하지만 최성임은 이 물질재료 본래의 감각과 사회적 의미를 증폭시키기 보다는 다른 방향으로 수렴한다. 반복적인 노동안에서 그가 선택해 들여온 재료는 내면의 보다 근원적인 정서를 담아낸다. 손경화 또한 다양한 외부의 자극을 내적으로 정리해 들어오는 태도를 취하는데 그가 ‘심리지리학적 동시대 추상풍경’이라 명명한 작업들은 주로 대도시를 읽어낸 것이다. 작품을 만들 때 작가의 어떤 내적재료를 사용하였는가 라는 질문에 21가지로 분류되는 재료 중 손경화는 이병찬과 같은 ‘탐색적 흥분’의 요소를 꼽았다. 1 그러나 같은 도시환경이라는 자극을 화려하게 거울처럼 받아낸 이병찬과 달리 손경화는 흑백의 기하학적 패턴으로 마치 비밀코드처럼 그 언어를 이해하려고 귀기울이는 이에게 들리고 느껴지고 읽힌다.

조현은 관객으로 하여금 타인과의 관계에 있어서 당신은 어떤 재료를 가지고 있는 것인지 보다 직접적으로 묻는다. 관객은 VR 게임안에서 선택을 하게 되어있다. 언택트가 하나의 코드가 되어 몸의 감각이 제한되는 시대 타인과의 접촉은 나를 어떻게 정의하는가. 여전히 이는 타고난 내면의 사회적 재료에 좌우되는 것인가 아니면 매체의 발달로 타자와의 관계는 늘 현상적인 것인가. 손에 콘트롤러를 쥐고 가상의 인물을 대면하는 조현과 달리 장성은의 사진에는 내가 그 뒤편에 서서 바라보는 인물들이 등장한다. 거리를 둔 응시를 전제로 함에도 관객은 정서적으로 개입될 수밖에 없는데 이는 그가 연출한 화면들에서 물리적 공간에 사람의 몸이 개입되는 순간 공간의 공기가 더 이상 중립적이지 않음을 보여주기 때문이다.

유비호는 이미 중립적일수 없는 사회적 사건의 장소를 다루기도 한다. 또는 그러한 장소를 연상하게 하는 자연의 공간을 들여오기도 하는데 영상안에서 인물의 배경이 된 회색빛의 안개낀 바다는 돌연 화면 밖 관객의 신체를 실제 안개로 감싸며 풍경을 보다 실존적인 것으로 주관화한다. 그의 <안개잠>에서 사건과 사실의 무게는 보존되면서 불안함과 두려움 또는 평안함과 무한함 같은 개별의 감정들을 포괄해 간다.

흐르고 흔들리는 것이 지닌 특유의 정서가 있다. 우한나는 천정으로부터 땋아져 내려온 듯 공중에 매달려 있는 형식의 오브제에 집중하였다. 여러 요소로 공간적 장면을 연출해오던 다른 작품들이 관객들로 하여금 여러 갈래의 이야기를 들이고 엮게 만들었다면 그의 <부표>는 서사가 시작되기 직전 감각과 인상이 먼저 달려드는 시작점과 같은 순간을 붙들고 있다. 채도 높은 반들거리는 천의 꼬임이 경쾌한 상승의 이미지를 풍기는 우한나의 작품과 달리 정성윤의 검고 두터운 모피의 움직임은 하강의 묵직함을 전달한다. 중력을 따르는 명확한 힘의 방향을 인식하면서도 천정의 모터장치로 느리게 순환하며 물의 형태와 같이 불확실한 움직임을 동반한 그의 작품 앞에서 어떤 이는 깊숙한 욕망을, 어떤 이는 스쳐가는 서정을 읽는다.

관객의 존재는 분명 작품에서 시작한다. 작품이 있고 그리고 관객이 있는 것이다. 그러나 작품의 가장 마지막 문을 닫는 것은 관객이다. 더 정확히는 관객 안에 들어 있는 무언가이다.

비가시적이지만 분명 또 하나의 요소로 존재하는 관객의 재료는 개별개인이 타고난 양은 같되 서로 다른 속성값으로 작품에 대한 경험과 그 의미를 구성한다. 하나의 열린 구조안에서 작가와 관객의 재료가 다양한 경험의 스펙트럼을 만들어내며 작품의 의미를 다층화하는 것이다. 일방적인 발언의 의사를 지닌 작품조차도 공간으로 나아온 재료를 끌어쓰고 있다. 관객이 서있는 전시장은 기실 온통 심리적인 공간이기 때문이다.

이 전시에서는 서로가 서로를 재료로 사용한다. 작품과 관객이 그리고 관객과 관객이 서로의 재료를 쓰고 또 쓰이는 그 교환과 작용의 언어를 읽어보고자 한다.

1 그로잉맘은 내적재료라 칭한 인간의 기질을 21가지로 분류할 수 있다고 보았고 이는 부분적으로 TCI (기질 및 성격검사)의 세부요인을 근거로 하였다. 8명의 작가들에게 기질분류표를 보고 전시의 작품을 만들때 어떤 내적재료-기질-를 쓴 것인지 질문하였고 작가들은 3개의 기질키워드로 답을 해주었다.

The artwork and the audience use each other as material

Empathy tends to stabilize a group and help it resume its normal activities. Etymologist Frans de Waal holds in his book The Age of Empathy that every social value that is absolutely essential for a community’s survival derived from an instinct for empathy. This exhibition perceives “material” as the point where the human instinct for empathy comes into play while bringing attention to the biological nature of a museum visitor in a society which has been changed by COVID-19. This exhibition is designed to examine how the audience and the artist’s materials react to one another, its operation principles and aspects, in order to shed light on an artistic experience as a phenomenon of life that is brought about when tangible and intangible materials tap into one another. The exhibit intends to offer a new perspective on works by eight contemporary artists in collaboration with Growing Mom, a counseling institution which has observed a variety of individuals’ inner materials, based on the question, “What is a work of art that more talks with a viewer’s materials?”

In fact, there is an infinite variety of materials. Almost everything an artist brings to his or her work is materials. The materials of an artwork can be pigeonholed as physical, material, linguistic, momentary, or permanent things. They can be chosen or woven with a narrative to convey something. Riveted by material with a physical base, artists at times embark on their own practice. Sometimes a work of art explicitly demonstrates the fabric of abstract thoughts and ideas, masking the material’s flesh. At times the material is the key to locking or unlocking a door.

By the way, there is another type of material. It has no volume or form and does not resort to any category for measurement. How it can be fastened, how much of it is consumed, and how it can be manifested are unpredictable. That is the material the audience employs.

Can an artwork feel what kind of spectator looks at it or what kind of viewer approaches it? An artist can reduce the audience to zero or raise it from the position of a listener to that of a speaker like the subject of gaze in modernism to corporeal subject in the postmodern era. The artwork, however, makes use of the audience’s material, going beyond his or her merely observable reactions.

An artwork that stems from an artist’s internal motive tends to draw in the audience’s inner resources. This exhibition began from counseling organization Growing Mom’s statement about how the premise of what takes place in each individual’s inner self derives from the difference between the “materials” he or she are born with. It focuses on artworks that use all kinds of materials to meet the audience’s more infinitely diverse inner materials.

Lee Byungchan seems to use as many physical materials as he can, employing things such as wrapping vinyl, strings of beads, LED, and motor. His internal motive pulls in every sensible element and is like a spouting comment. Lee embraces and unmasks the true nature of consumer capitalist society rather than filtering or refining it as an overflowing factor in his work. Some audience approach it by actively reacting to the stimulus he represents or expresses through an aggressive exploration while others internally look it over at arm’s length.

Even though she employs the same packing material, Sungim Choi moves in a direction that does not amplify the material’s original sense and social meaning. The material Choi adopts through repetitive labor holds a more elemental inner emotion. Kyung Hwa Shon also assumes an attitude to internally arrange a wide variety of external stimuli. Her works titled Psychogeographic Abstract Landscapes were interpretations of main big cities. When asked about what internal material was adopted, Shon chose “exploratory excitability” from the list of 21 different kinds of inner materials like Lee Byungchan did. 2 Unlike Lee who accepted the stimuli from the urban environment and expressed it as extravaganza like mirroring the spectacular scenes of the cities, Shon employed black and white geometric patterns like secret codes which are sensed, heard, and read to those who are trying to comprehend these idioms.

Hyun Cho more directly asks what materials the audience has in their relationships with others. The audience is bound to make a choice in a VR game. How does my contact with others define me in an era when the body’s senses are restricted by the concept of “untact” as a code? Is it still dependent on inborn inner social materials? Or, is my relation with others always a phenomenon with the development of mediums? Unlike Hyun Cho who faces a virtual figure with a controller in his hand, Chang Sung Eun’s photographs feature real figures who show their backs. The audience cannot help becoming emotionally involved with them, even though their gazes are subject to distance. That is why her scenes show that the air in some spaces is no longer neutral the moment one’s body becomes involved in it.

Ryu Biho has tackled the sites of social events that can no longer be neutral. He sometimes brings a natural space reminiscent of such a place into his videos. A gray fog-shrouded sea in one of his videos makes a landscape seem more existential and subjective by enveloping the viewer’s body outside the scene with the fog. In his video A Reverie in the Fog, he preserves the weight of social events and facts while covering individual emotions such as anxiety, fear, peace, and infinity.

Flowing or swinging things have sentiments that are intrinsic to them. Woo Hannah has focused primarily on what looks like braided objects that are descending from the ceiling and suspended in the air. Her other works in which she rendered spatial scenes with a variety of elements lead the audience to weave an array of narratives while Buoy captures a moment that is like a starting point involving sensations and impressions immediately before a narrative begins. Unlike Woo’s work in which the twisting of a polished cloth with a high chroma provokes an ascending note, the movement of Jung Sungyoon’s thick black fur arouses a feeling of weightiness that is associated with descent. Jung’s work allows us to perceive the apparent direction of palpable power in accordance with gravity but as it slowly moves around via a motor set in the ceiling and causes some uncertain movements as if in water, some viewers feel inner desire while others sense fleeting lyricism in his work.

The existence of the audience obviously emanates from an artwork. There is an artwork and there is the audience. The one that closes the last door, however, is the audience. More accurately, it is something within the audience. The material of the audience that is invisible yet obviously exists as another element forges the experience and meaning of an artwork. The materials of the artist and the audience bring about the multipronged meaning of an artwork in an open fabric, generating a broad spectrum of experience. Even the artwork that speaks by itself uses the materials hovering in the space because a gallery, the place where the audience stands, is actually a psychological space.

Both the artwork and the audience use each other as material. This exhibition is intended to interpret each one’s use of the other as material couched in the language of interchanges and interactions between an artwork and a viewer as well as between viewers.

2 Growing Mom considers the human temperaments it refers to as inner materials to be pigeonholed into 21 categories based partly on the TCI (Temperament and Character Inventory). It asked eight artists which inner materials (temperaments) from the Temperament Classification Table they were going to adopt for their works and the artists replied with three keywords pertaining to such temperaments